The space of subjectivity

 The spaces of subjectivity: Art and culture in a dialogical perspective

©By Abdel Hernandez San Juan, 2002

Houston, Texas, USA

    La idea, frecuente en ciertas concepciones de la crítica de abordar dinámicas del arte contemporáneo en el modo de panoramas es compleja y no carente de contrariedades. El concepto de panorama presupone, de hecho, que hay algo que tiene allí afuera, en el mundo real, en este caso de la cultura, o de lo que podríamos entender como palestras o escenas socioculturales del arte, una forma determinada respecto a la cual el panorama, en tanto genero de escritura, a de atenerse a seguir la forma que esa realidad tiene en ella misma como su ser en sí o su esencia caracterizadora, la idea de panorama también presupone, en términos igualmente genéricos, por un lado, el mantener la crítica dentro de un cierto principio descriptivo, esto es, que se atenga no ya solo a la forma de esa realidad sociocultural presupuesta como provista de una forma pre-dada, sino también a un modo de referencialidad que no sea en lo posible subjetivista sino antes bien objetivista en el sentido que esta palabra debería guardar de relacion íntima con la idea de descripción, es decir, referir el fenómeno describiéndolo sin colorear el modo de esa realidad como ella es en sí misma, presupone también una cierta idea de cronología o de secuencia diacrónica, es decir, cuando decimos panorama presuponemos que algo tiene un principio, un desarrollo y un cierto final en lo que conforma su contenido, sin embargo, todo lo anterior es sin dudas discutible y relativisable no por meros motivos desacralizadores sino dado en el hecho de que en realidad para articular una idea de panorama es requerido tomar parámetros y estos parámetros están por lo general sujetos a subjetivismos de todo tipo, bajo qué principio articulamos el panorama, tomando como parámetro la idea de una ciudad?, en qué sentido la ciudad, vista en términos meramente físicos, descripción de lugares, museos, estudios de artistas, galpones, etc, o vista en términos axiológicos, valoraciones, tomando como referencia la idea de país?, o en su lugar, priorizando otros referentes, no tanto asi una ciudad o un país, sino lenguajes del arte, por ejemplo, panorama de la fotografía, o del dibujo, o del paisaje, etc

    Por otro lado la idea de panorama tiende a desconectarse de las relaciones específicas que las presentaciones del arte tienen con sus auditóriums y sus espectadores concretos, si nos atenemos a muestras concretas y a sus espectadores de hecho, los panoramas se hacen imposibles ya que el detalle de los modos situados impide transitar entre unas cosas y otras obviando lo que en cada una se hace especifico a unos sitios y condiciones específicas de lectura, en este sentido el panorama se desconecta de la situación concreta de la recepción del arte, y tiende a confundirse con géneros muy extrínsecos, externos a las circunstancias, estableciendo parámetros que son distintos a aquellas axiologías que relacionan desde adentro las relaciones de sentido de las ocasiones expositivas y de sus espectadores, incluyendo incluso sus ecos y reflejos en las escenas socioculturales dadas por infinidad de circunstancias tales como la critica que usualmente reseña o comenta las muestras, las circunstancias del mercado del arte e institucionales, entre otras, 

  hay en este sentido una relacion entre el panorama y figuras de lenguaje que presuponen las disyunciones paradojales entre las nociones de contexto y decontextualizacion, un panorama es de suponer guarda una cierta relacion con los contextos que describe pero al  mismo tiempo se desconecta de las relaciones contextualizadas específicas y profiere las audiencias, es decir, omite las relaciones entre el arte visto desde su subjetividad y la cultura extendida como una extensionalizacion de los modos de anticipación de los espectadores por las obras y las dinámicas que leen la cultura por el lado de la interpretación de los hechos simbólicos y visuales en la cultura entendida como entramado hermenéutico de pluralidades interpretativas y polisemias de sentido, alejándose tanto del contexto in situ de la relacion obras-publico, por un lado, como de la cultura como trama de relaciones de sentidos plurales, por el otro

   El panorama pues como genero tiene algo de esta iteración de las audiencias lo cual contrasta complejamente con su supuesto carácter de genero objetivo.  Pero a pesar de ello cierto es que no tan objetivo como usualmente se cree, el panorama organiza una cierta forma de abordar una realidad ello si establecemos de una vez que los parámetros, sin embargo, están sujetos a crítica. 

   Un panorama, por ejemplo, puede partir de los parámetros del escritor, reflejar sus interacciones y sus recorridos, sus itinerarios y sus encuentros, sus comunicaciones cara a cara y sus telecomunicaciones, puede centrarse ciertamente en entidades físicas, tales como una ciudad, o un país, pero también puede hacerlo según desplazamientos abarcando múltiples ciudades, recorridos, idas y vueltas, materiales idos a buscar y recibidos, etc. 

   Es en este sentido que quisiera a continuación discutir una modalidad que abarque varias escenas las cuales funcionan como subpanoramas de un panorama más amplio comenzando asi por la ciudad de Houston y moviéndome luego a otras ciudades en estados unidos, el centro de mi atención aquí será discutir experimentación visuales leídas o interpretadas desde el punto de vista de cómo en ellas los procesos de la identidad cultural no son entendidos como totalidades cristalizadas cerradas sobre si mismas en torno a lo étnico, lo racial u otras referencias que tienden a ver lo identitario cultural como esencias onticas en sentido etnocéntrico en el modo de iconografías o discursos que parten de una idea preconcebida de identidad sino antes bien discutida en procesos abiertos de la subjetividad donde esta última se extensionaliza en la cultura en el modo de procesos en formación que no pretenden una clausura desde afuera sino antes bien mantenerse abiertos como dinámicas de retroalimentacion, mutualidad, encantamiento y dialogo. 

  Lo anterior, por supuesto, se refiere a procesos con la cultura experienciados desde el arte en dinámicas multiculturales en las cuales distintos acerbos están en continua relacion dentro de la cultura misma rigiendo en ellos dinámicas de formación del self, los espacios de la subjetividad y un sentido dialógico de la relacion entre perspectivas.

   El primer artista será el venezolano Ernesto León contemplando como base a mis referencias nuestros encuentros en sus estudios en dos ciudades, caracas y Houston a lo largo de aproximadamente ocho años, es decir, repetidas ocasiones en las cuales nos vimos con la finalidad de grabar en tape recorder mis criticas asi como de escribir primero dos veces en su galpón en caracas y luego infinidad de veces en su estudio en Houston. 

   El motivo para discutir a Ernesto león es que se trata de un artista suigeneris por el modo como en su arte ha desarrollado una exploración visual de temáticas relativas a la identidad cultural primero venezolana y más adelante tropical y hasta mexicoamericana, esta experimentación tuvo una primera forma enfocada en motivos relativamente estereotipados por los Mass medias y el sentido común tales como por ejemplo la pintura de pájaros típicos de la fauna venezolana y otros elementos de la naturaleza, pero posteriormente se fue inclinando hacia una exploración de superficies y materialidades relacionados a lo que he llamado imaginerías coloniales en esa identidad cultural tales como por ejemplo pinturas realizadas sobre viejas tablas encontradas basadas en el trabajo con la hojilla de oro muy usual en la iconografía religiosa católica y de la iglesia cristiana, esta bella serie se acompañó también de varias piezas enfocadas en quemar esas maderas viejas coloniales explorando el efecto del humo de crear sensaciones atmosféricas sobre las superficies. 

    Una de las cosas que peculiarizan esta búsqueda de león viene dada en el hecho de que haya sido inicialmente un artista expresionista, como en otro modo Jacobo Borges, con una cierta influencia del mexicano cuevas en sus dibujos, figuras humanas ojerosas relativas a estados generalmente emotivos, el trabajo en hojillas de oro sobre madera y el trabajo humeado sobre maderas inicia sin embargo un cambio importante en su arte, este cambio viene dado en el mismo status del objeto artístico, mientras antes trabajaba con un formato pre-dado por las convenciones del soporte, tela, cartulina, etc., las piezas de hojilla y humo adquieren desde el punto de vista objetual y de su consistencia física, un carácter que las aproxima a retablos, es decir, parecen como fragmentos o vestigios de retablos de iglesias, sin embargo, en sus pinturas de Houston, Ernesto regresa al soporte convencional en tanto desde el punto de vista de las imágenes revierte complemente su arte figurativo anterior, las maderas retablos son eminentemente abstractas, pero las piezas de Houston regresan a la figuración en un modo que se aleja del expresionismo de sus dibujos de la figura humana esencialmente rostros o de sus dibujos de pájaros, enfocándose  en una exploración sobre las tropicalias, es decir, sobre la cultura tropical, son piezas que vuelven sobre el tema de la flora, es decir, basadas en sus colores y formas en alusiones al mundo de las plantas pero en un modo más alusivo y abstracto al mismo tiempo en que más centrado en la subjetividad, es decir, en discursar sobre la cultura discursando la naturaleza y sobre todo, el tema de la identidad cultural que ha sido una recurrencia en su arte. 

   Hay en sus piezas de Houston algo que trata de relacionar la exploración sobre la subjetividad tropical y la mexicanidad no tanto en la pintura sino en nuevos objetos como sus sombreros de charro

   En consonancia con este acento sobre la mexicanidad explicita en el trabajo de león en Houston hay tres artistas mexicanas o mexicoamericanas en Texas que resultan de gran interés, por un lado Angeles Romero, establecida en la ciudad de Austin, es una artista del performance quien desarrollo en market square uno de los performances danzarlos más conmovedores que he visto en mucho tiempo, se trata de una pieza que expuso en el contexto de una muestra organizada por el artista y critico alemán Johannes Birringer, la he comentado antes en un ensayo sobre Birringer, pero merece el esfuerzo volver sobre ella aquí debido a que uno de los puntos cruciales de la pieza se centra precisamente en explorar el dialogo de seducción y mutua atracción, el romance si se quiere, que tenemos en Texas entre elementos de la subjetividad de la mexicanidad y elementos de la subjetividad de la tejanidad o de la identidad cultural tejana. 

    lo anterior de ningún modo significa que la cultura tejana sea reducible a los ecos en ella de la mexicanidad, sin dudas, nuestra cultura tejana es ella en sí misma una cultura con sus propias especificidades, pero lo peculiar de esta pieza de romero es que elude todos los estereotipos previos sobre el tema, en vez de abordar el asunto desde el punto de vista de identidades culturales prototípicamente recogidas como formas predadas y tipicicadas en iconografías visuales o símbolos en torno a los cuales se separan las identidades como esencias onticas, es decir, en la dirección contraria al etnocentrismo tanto mexicano como chicano, por un lado, y al etnocentrismo anglosajón en nuestro lado tejano, por el otro, la obra se enfoca en el proceso de mutua seducción de ambas culturas atraves de un continuo dialogo de las almas, o de lo que yo he llamado en uno de mis ensayos teóricos lo intangible algo que remite a una espiritualidad. 

   la idea de seducción es sin dudas reductiva, no se trata simplemente de una seducción o de una persuasión, aunque sin dudas el tema lo presupone, sino antes bien de un encantamiento de una cultura por la otra, de una mutua atracción atraves de la cual en la subjetividad se deja abierto ese proceso en vez de fijarlo en símbolos, se trata de una pieza que hace de la paradoja de este fenómeno una epifanía visual, como una especie de viñeta o cinema muy sencillo pero conmovedor, en un espacio rectangular muy largo y estrecho Angeles vestida semidesnuda intenta mover un circulo muy pesado y de grandes dimensiones, es decir, una especie de rueda pero de mayor tamaño que ella, la cual es de mampostería, con muchas dificultades mueve esta rueda pesada desde un punto hacia al otro del rectángulo muy lentamente y con gran esfuerzo físico, mientras en el otro extremo del rectángulo hasta donde se presupone Angeles mueve lentamente la pesada rueda, hay sentada sobre varios témpanos de hielo helado, una rubia cuyas expresiones y facciones son las de una típica americanita anglosajona, mientras Angeles se esfuerza por hacer llegar la rueda hasta ella, el hielo se va derritiendo y desprendiendo un humo o neblina helada que va despertando a la rubia también semidesnuda, el performance consiste en este movimiento lento de Angeles de la rueda pesada y del proceso de irse despertando cual la oruga de la que nace la mariposa, la rubia del hielo mientras aquel se derrite. 

   En otro performance, más escatológico y menos profundo en sus contenidos, presentado esta vez en diverse Works Angeles romero nuevamente en conjunto con Johannes Birringer, elabora su propia interpretación respecto al tema de la identidades culturales como ha sido tratado previamente desde el punto de vista de las identidades entendidas como esencias onticas etnocéntricas, se trata esta vez de un performance presentado en un contexto en el que se presentaban varias artistas chicanas y mexicanas que abordaban estos temas relativamente conflictuados, frente a ello, el performance fue bastante crítico pues extrapoló su comentario en la dirección contraria a su performance en market square esta vez en vez de resaltar el lado positivo del dialogo cultural entre sensibilidades culturales hizo lo inverso, proclamo visualmente la agonía y las aporías de las identidades etnocéntricas proponiendo un performance que era casi una sala de operaciones para una enferma convaleciente, entiendo por ello, la identidad cultural encamillada como una paciente sin cura como cuando se trata de un cáncer, el performance de hecho consistía en ella amarrada a una camilla de ingreso y trasladada dentro de la audiencia.

   En contrapartida con estas dos lecturas extrapoladas en un lado la lectura positiva dada en el amor implícito al romance del mutuo encantamiento entre la calidez de la cultura mexicana y la frialdad de la cultura anglosajona ora la camilla de la hospitalización del cáncer del etnocentrismo en la otra, el punto de vista de las México-americanas y también tejanas Ariel masón y Gabriela Villegas podríamos decir que elude las dicotomías, lejos de enfocar el tema de la identidad cultural como león y romero ellas exploran un desvió en el caso de masón la sensibilidad pura del alma –que también tenemos en Terrell james del lado tejano anglosajón--expresada en torno a asuntos genéricos dados en la feminidad, la alusión a un universo femenino que elabora una lectura en torno a motivos más domésticos en tanto Villegas para una obra que presento en el contexto de una muestra como invitada de Surpic Angelini se centró en el tema de la maternidad iluminando con una linterna dentro de un cubículo oscuro su barriga mientras estaba embarazada 

    Los artistas venezolanos con recurrencia, aunque no es el caso de Surpic Angelini quien se ha centrado más en la memoria desde su obra en el museo del holocausto hasta sus muestras en nuestra curaduría, pyche etnography reports, en Sicardi y en la galería de key burnet, son propensos al tema ecológico, mientras veíamos en león la preponderancia al mundo de la flora abordado sin embargo como una exploración desde aquella vía en torno a la identidad cultural,  Jorge Zepezi, artista venezolano también establecido en Houston trabaja directamente con el reciclaje, su obra son grandes volúmenes de materia impregnada de material de desecho reciclado, recuerdan en algo esa materia amalgamada en las pinturas de kieffer, pero a diferencia de aquel, más enfocado, como Angelini, en la memoria, no se trata de la memoria cultural entendida como una capa densa de recuerdos o de historias, menos aún de la idea misma de historia, sino de pura materia ecológica compactada en la cual el espectador puede leer, sin embargo, la inmensidad inconmensurable del diseño en la sociedad industrial y la importancia del simbolismo neo cultural que adquiere su transformación  en formas de la cultura visual.

   Las piezas de Zepezi por sus grandes dimensiones y el modo como amalgama lo industrial reciclado con lo natural me sugieren en términos semánticos y hermenéuticos algo que vuelve la lectura sobre la relacion pesadez, dificultad, ligereza frialdad en el performance de romero pero desde otra perspectiva, me refiero a un film llamado wally, en el mismo se presenta la historia de amor de dos robots, uno Wally es un viejo robot de piezas antiguas que difícilmente se produzcan en la actualidad por estar descontinuadas, un robot digamos de los setentas el cual vive en un basurero de grandes dimensiones donde se acumula toda la chatarrería y el desecho industrial de la gran ciudad moderna.

    Eva en su diferencia es una robot hembra muy moderna, una tecnocapsula de la última tecnología digital, wally se enamora de ella y la sigue con su corazón palpitante por intricados recorridos, pero ella es fría y aparentemente no tiene sentimientos y en su esfuerzo por lograr su amor wally encuentra que hay miles de otros robots idénticos a Eva a la vez que sufre buscándola entre todo ese mundo o universo homogeneizado sin identidad cultural que no le permiten ubicar y hallar a su amada. 

   Después de mucho insistir sin resultados en su esfuerzo wally vive una gran depresión que lo lleva a un accidente y muere de regreso al basurero donde se habían conocido. Cuando Wally está muerto un tiempo luego Eva llega buscándolo, añorando las lágrimas y los sentimientos de wally el film muestra que Eva aunque no expresa sus sentimientos necesita de los sentimientos de wally para sentirse viva y lucha contra su muerte por reanimarlo y porque vuelva en si hasta que de su forma de tecnología digital de ultima modelo agotada de tratar de revivirlo derrama una lagrima que despierta a wally.

   El film es sin dudas desde el punto de vista dramatúrgico una típica historia de amor hollywoodense, si bien es un film alternativo y realizado realmente en basureros, pero lo que me interesa subrayar con el mismo es el tema del mutuo encantamiento entre lo moderno y lo tribal, entre la tecnología y el ritual, entre el pragmatismo y el amor, entre la sensibilidad y el distanciamiento que se buscan y se necesitan mutualmente al punto de serse ontológicamente inclusivos. 

    El componente relativamente danzario del performance de Angeles romero debido al movimiento que este suponía en el espacio es realmente explorado, sin embargo, paradójicamente, por un artista argentino también establecido en Houston quien es pintor, pero quien al mismo tiempo dirige y conduce talleres de danza en el museo Jung de Houston Pablo bobio también establecido en Houston 

    Analizando frente a ello la contraparte anglosajona en Texas resaltan las obras de dos artistas Terrell James quien con sorprendente lucidez y con una capacidad impresionante para como decimos en inglés go over, ha centrado su arte por un lado en el habitad explorado sin embargo en un sentido filosófico desde una perspectiva abstracta que busca las conexiones entre las abstracciones del cuerpo y las abstracciones del alma, hay en su obra una pesquisa visual que en formas abstractas busca los puntos de relacion entre lo orgánico relativo a la sensorialidad del cuerpo y la pureza del alma entendida en sentido tejano como una investigación de la identidad cultural que se mueve sin embargo más allá de cualquier etnocentrismo hacia parámetros de universalidad, su acento en el concepto de hábitat es central, la relacion del cuerpo con sus hábitos y sus costumbres desde el punto de vista de habitar los espacios y que prioriza la idea de la investigación de campo, una investigación de campo que se mueve entre un sublime de la americanidad y una búsqueda en torno al hábitat entre lo espiritual y lo geológico, otro tanto, también resultan en una dirección similar igualmente finas y sutiles las piezas de Joseph Havel, quien usualmente expone junto a james, virgil y Wilson en butter gallery.

   tema sobre el cual luego de mis comentarios generales sobre james y Havel en el lado anglosajón en Texas, ameritaría algunos detalles en torno a la obra de tres artistas que mostramos en diapositivas en mi conferencia de 1996, me refiero por un lado al punto de vista asiático de Mel chin, a la perspectiva indoamericana de Jimmy Durham y a la obra de Forrest Prince un artista peculiar de Texas reunido en la colección de Surpic Angelini y quien estuvo en la muestra Another reality curada por Surpic con berg long en 1989 sobre el arte de Texas.

  La peculiaridad de Jimmy Durham es que realiza un arte nativo indoamericano realizado en los medios contemporáneos de la instalación como lenguaje en el arte occidental que subvierte los parámetros que vía materiales relacionaban el arte povera a una simple técnica de los medios mostrando su verdadero sentido cultural, es decir, el hecho de que la calidez de los materiales en povera tiene un origen culturalista dado en contraposiciones entre lo moderno y lo tribal que están dentro de la misma modernidad y que forman parte de ella, con recursos de lenguaje sofisticados en sus articulaciones signicas, Durham devuelve un arte nativo-americano en el sentido indoamericano que muestra las fuentes identitario culturales de los medios plásticos su carácter no casual o arbitrario. 

   El tema es de importante, poniendo a un lado, es decir sin considerar la problemática propiamente étnica o racial de la procedencia del artista, la pregunta acerca de si los medios del arte visual como en el lenguaje hablado, son o no arbitrarios, es decir, podrían ser cualesquiera otros, y de los cuales se dispone, queda aquí relativizada en la explicitación de que la forma participa de modo decisivo en los sentidos y en los significados y que forma en buena lid parte de la cultura, cuando elementos tan básicos como líneas, superficies, puntos, que es de suponer se corresponden con las universalidades  abstractas del espíritu occidental desprovistas de cultura hacia la pura matematizacion o logaritmitizacion de los códigos, como ocurre en el minimalismo, Durham muestra como la minimalizacion es también una forma del espíritu algo que nos remite a la insistencia de Derrida sobre la fuente indoeuropea de las lenguas de la filosofía clásica y sus posteriores logaritmos abstractos—también Stephen A Tyler ha insistido en ello--volviendo de este modo aunque desde otra perspectiva sobre nuestras contrastaciones previas entre lo cálido y lo frio en los performances de romero y el ejemplo de wally y Eva en torno a los volúmenes de Zepezi. 

    Al ver las formas usuales del lenguaje logarítmico del arte de vanguardia, propios a las articulaciones discursivas de los medios visuales modernos tales como la instalación, realizados y transformados en discursos que hibridizan los referentes culturales, el arte de Durham realiza una fina genealogía de la primacía de la indoamericanidad en la comprensión de los procesos identitario culturales estado unidenses algo lo cual,  ahora en los medios del minimalismo, el instalacionismo, el arte povera y otros recursos, la palestra angloamericana no puede eludir 

   asi al ver el arte de Durham vemos aspectos de nuestra cultura también estado unidense y angloamericana, este hecho, relativiza completamente los otrora parámetros de la antropologia de acuerdo a la cual los indios eran tratados como otros o como alteridades, y nos devuelve a una neohegelianizacion del tema de la otredad. 

     En un sentido similar las refinadas y originales instalaciones de Mel chin hacen otro tanto respecto a temas de la antigüedad colonial y griega occidental incluso victoriana, reciclando elementos de la cultura europea y estado unidense y rearticuladolos en obras que discursan sobre el alma, sobre la sensibilidad, sobre lo sublime en un modo que en términos asiaticoamericanos hacen otro tanto lo que Durham descentralizando la discusión hacia el multiculturalismo 

   otro tanto Forrest prince con sus piezas de madera y tablas que recuerdan baúles de guardar cosas o un ordinario objeto domestico es uno de los artistas de Texas que emprende esta conciencia pero a la inversa, es decir, como una búsqueda en como los propios lenguajes más abstractos del arte tales como transformar una obra de arte en un mero objeto cotidiano o alusivo a ello, como ocurría en algunas obras en el neodadaismo de Robert Raushenberg ,  es una forma de cultura en la que están envueltos procesos de la identidad cultural de una región algo que peluriarizo el tipo de atención de long y Angelini con su muestra Another reality y que en cierto modo caracteriza la colección de Angelini que conjuga bajo parámetros similares arte anglosajón de Texas, con arte de cubanos emigrantes en el exilio y arte tribal de Oceanía.

   Volviendo sobre mis análisis sobre la iteración de la audiencia resalta una muestra de arte estado unidenses anglosajón que recorrí en Austin cultural dialogues, esta muestra, centraba paradójicamente el tema del espectador el cual era relativizado, puesto entre paréntesis y en cierto modo criticado. 

   El principio principal de la muestra es que de cada obra expuesta salía una especie de forma volumétrica desenvuelta en el espacio en el modo de un tubo y los espectadores no tenían acceso a la visualidad de las obras mostradas más que mirando a través de este orificio lo cual obligaba a que solo un espectador cada vez pudiera mirar. 

   Mientras por un lado podría verse como una invocación de una relacion ritualizada con la obra, como ocurre por ejemplo en las piezas de grotowski que igualmente los espectadores miran desde afuera como intrusos lo que están viviendo dentro del cubículo los actores, por otro lado también subraya que esa relacion ritualizada uno a uno es una especie de psicoanálisis del momento del espectador concreto debido a que producto de la supremacía de la experiencia en su carácter singular ese espectador concreto no solo esta proferido y psicoanalizado, sino que es recogido por la obra en su conjunto como envuelto en su anticipación y en esa misma medida es iterado en favor de una idea de cultura más amplia y general que los envuelve no en balde llamada la muestra diálogos culturales

   La obra de la artista egipcia establecida en los Angeles Lita Albuquerque también es de subrayar, además de sus incursiones relevantes en el arte ambiental de la ciudad en el modo de obras para parques, fuentes y lugares urbanos, sus piezas basadas en sus viajes a Egipto son mapas descriptivos de sus itinerarios y recorridos tanto en Egipto frente y alrededor de las pirámides tratadas como ruinas arqueológicas como durante sus viajes mapas junto a los cuales Albuquerque desarrolla un sistema de vitrinas de museo en las cuales muestra material recogido en esos viajes. 

   De interés y alcance arqueológico las obras imponentes de esta artista egipcia pueden recorrerse en un contexto el de los llamados espacios del santamonica highways performance space en los Angeles en el que también pueden verse desde las pinturas de mariposas y orugas de susan hasta las danzas visuales y socioculturales hinduistas de Erica rebollar o el trabajo más teatralizado de Daniel Brazel basado en la expresión corporal o la multimedialidad exorbitante de Cid Pearlman, tres artistas muy distintas entre sí a pesar de utilizar la expresión corporal, las piezas de rebollar son danzas sincronizadas de coreografías muy minimalistas de danzarines hindúes, las de brazel son un monologo más dramatúrgico basado en las narrativas de una actriz central que se moja la cara y desenvuelve una cierta narrativa frente al público en tanto las de pearlman son despliegues mucho más acrobáticos de cuerpos en el espacio con una utilización mucho más enfocada de la multimedializacion proyectando imágenes sobre las pantallas, colgando scenicamente frames, marcos vacíos de pintura,  y dejando caer objetos en el espacio que los actores reciben como por ejemplo manzanas. 

   Casi todos los discursos visuales antes discutidos son desarrollados por personas que o bien son nativos estado unidenses o bien son emigrantes residenciados en estados unidos como yo, pero valdría también mencionar algunas incursiones de artistas visitantes es decir que vinieron por un periodo determinados de tiempo a mostrar sus obras y se fueron como por ejemplo la argentina Nicolás que paso una residencia de seis meses en glassel school of art para al final mostrar como su obra un desfile de moda en el que los vestuarios que exponían las modelos estaban todos hechos con una piel que aludía a la piel humana y al ombligo, o los grandes inflables de Ernesto Neto en el moma y el moca. 

Bibliography

Hernandez San Juan Abdel, Beyond the Intertextual, lecture discussed at the Fondren library lectures auditorium as a guest of the faculty of classical and Hispanic studies, rice university, Houston, Texas, usa, 1996

Hernandez San Juan Abdel, Art Pizte: A Perspective from Art critique, paper lecture discussed at the faculty of sociology and anthropology of the lake forest college as a guest of the college, artistic director of transart foundation, coordinated by Quetzil Eugenio, introduced to the audience and translated by Quetzil Eugenio, assistance professor of the faculty, lake forest, Illinois, 1999

Long Berg and Angelini Surpic, another reality, 69 Texans artists, catalogue, Texas, 1989